J’ai écouté et analysé le nouvel album des Arctic Monkeys « AM »

Le nouvel album des Arctic Monkeys Am : disponible ici :

Do I Wanna Know? by Arctic Monkeys on Spotify

 

C’est le cinquième album du groupe sorti le 9 septembre 2013 en Europe. On retrouve dans sa composition Alex Turner au chant, à la guitare rythmique, Jamie Cook à la guitare, Nick O’Mailey à la basse et Matt Helders à la batterie.

Alex Turner évoqua que l’album était inspiré du groupe Velvet Underground. Ce qui est fabuleux avec cet album est le fait qu’on puisse retrouver un mélange explosif de styles musicaux. Du blues, au rock passant par le hip hop..

Il a été beaucoup plus réfléchi et travaillé que leurs précédents albums à l’image du premier titre Do I Wanna Know dont l’introduction a été améliorée sans cesse la rendant terriblement prenante.

L’album a été très bien reçu par les critiques et il est même en tête aux Royaumes-Unis

1. »Do I Wanna Know? »  4:32 :

La chanson est sortie en juin, un peu plus tôt que l’album. Comme je l’ai évoquée, l’introduction est saisissante avec le battement alterné des pieds et des mains. La chanson dont la tonalité est en Sol mineur possède un tempo relativement lent avec un riff de guitare permanent.

J’ai relativement apprécié cette chanson la considérant même comme la meilleur de l’album. Le riff de guitare reste dans la tête, les battements des pieds et des mains apportent support intéressant et très agréable. La voix d’Alex Turner est porteuse, fluide et s’associe parfaitement avec le riff de la guitare.

Note :  8 / 10

2. »R U Mine? »   3:20

R U Mine est sorti il y’a déjà un ans en février 2012.  Cette fois la chanson est plus dynamique, la guitare s’affiche dès le début avec un riff typé rock et la voix est davantage énergique. La chanson comporte de très nombreuses variations ( 00 : 26, 00 : 44, 1 : 02..) La basse intervient fortement au fur et à mesure de la chanson. Toutes ces modifications, alternatives et changement donnent beaucoup de piments. Le petit bémol résiderait dans le fait que ça peut paraître un peu brouillant

Note : 7 / 10 

 

3. »One for the Road »   3:26

Je trouve l’introduction superbe avec l’apparition de la batterie donnant le bon tempo de la chanson. C’est une musique plutôt lente où on se sent vite entraîner par le rythme du combo : batterie/basse.

Néanmoins, je trouve dommage le manque d’impulsivité après le ton donné par l’introduction.

Note : 6,5 : 10

4. »Arabella »   3:27

On commence avec de la batterie et de la basse, un petit riff de guitare et le retour de la batterie et basse. La voix s’ajoute parfaitement par dessus l’ensemble instrumental. A la minute (00 : 44), on remarque une variation impulsée par un accord de guitare rock.

J’aime beaucoup le passage à la minute ( 1 : 10) notamment la guitare. Puis ensuite, on revient comme sur l’introduction. Une chanson classique mais adéquatement structurée.

Note 7 / 10 

5. »I Want It All »   3:04

On commence par un gros son de guitare dès l’introduction. Un riff très pêchu, puis s’ajoute la voix aiguë en contraste avec la guitare. Le mélange sonne et c’est le plus important.

A la minute 1: 14, on remarque un changement important dans la chanson où la guitare prend un effet pour le moins étrange, nous accordant un sentiment de mystère, et d’étrange.

Note : 7/10 

6. »No.1 Party Anthem »   4:03

Un tout autre registre avec cette chanson. On commence tout de suite avec une partie piano, et une voix nous rappelant Queen et Freddy Mercury. Pour tous les nostalgiques de Queen, cette chanson vous conviendra à merveille. En ce qui me concerne, je n’ai pas réellement accroché.

Note : 5/10

7. »Mad Sounds »  3:35

On commence avec un riff de guitare perdue dans le chorus et le delay et s’ajoute une voix très tranquille et posée. Le chant est terriblement mélodique et Mad Sounds correspondra parfaitement aux plus mélancoliques d’entre nous. Sortons les chandelles et rêvons un peu..

Note 6 / 10

8. »Fireside »   3:01

Beaucoup plus dynamique que sa précédente Fireside se structure sur un rythme original et rapide.

Je n’ai pas réellement accroché, je ne trouve pas que la voix s’accorde parfaitement et je la trouve trop faible par rapport aux instruments.

Note : 5 / 10

9. »Why’d You Only Call Me When You’re High? »   2:42

Chanson rapide dont l’introduction fait penser aux grandes chansons rap, hip hop de notre temps. La voix se superpose ensuite, puis la guitare (00 : 32). Ainsi, on observe une montée en puissance de la chanson tout en restant dans un registre plutôt doux et lent.

A la minute (1 : 41), on retrouve l’emprise de la batterie et à la minute 2 : 00, la guitare prends le dessus terminant la chanson sur un ensemble musical. A

A noter, le refrain est très intéressant avec un coeur donnant une mélodie très intéressante.

Note : 7 / 10

 

10. »Snap Out of It »   3:12

Et on tape pour le rythme. J’adore ce rythme et ses petites variations tout au long de la chanson. A la minute 00: 35, la chanson prend une nouvelle tournure pour son refrain supportée par les coeurs avant de revenir à son état initial.  Un refrain vraiment accrocheur !

Note 6,5 /10

11. »Knee Socks »   4:17

Une introduction composée d’un bon petit riff de guitare nous plongeant dans du rock indie pur et dur. Le tempo est plutôt lent, la guitare s’efface petit à petit seulement présente par à-coups.

A la minute 1 : 00, le refrain intervient donnant une courte impulsion.

Note 6 / 10 

12. »I Wanna Be Yours »  Turner, 3:04

La dernière chanson de l’album est réellement la plus typé : Rock Indie du groupe. Un tempo doux, une voix porteuse, une présence alternée de la guitare..

Note 6,5 / 10 

Total de l’album 41:43

Note de l’album  7,5 / 10 

 

Présentation, analyse et leçon complète de Snow des Red Hot Chili Peppers

Dans cet article, je vais vous présenter une leçon de cette superbe chanson qu’est Snow des Red Hot Chili Peppers ! La chanson provient de l’excellent album Stadium Arcadium sortie en 2006.

Come to decide that the things that I tried / 
Were in my life just to get high on

When I sit alone come get a little known
But I need more than myself this time

Step from the road to the sea to the sky
And I do believe that we rely on

When I lay it on
Come get to play it on
All my life to sacrifice

Hey oh listen what I say oh
I got your
Hey oh now listen what I say oh, oh

When will I know that I really can’t go
To the well once more time to decide on

When it’s killing me
When will I really see
All that I need to look inside

Come to believe that I better not leave
Before I get my chance to ride

When it’s killing me
What do I really need
All that I need to look inside

Hey oh listen what I say oh
Come back and 
Hey oh look at what I say oh

The more I see the less I know
The more I like to let it go hey oh 
Wooooaaah

Deep beneath the cover of another perfect wonder
Where it’s so white as snow

Privately divided by a world so undecided
And there’s nowhere to go

In between the cover of another perfect wonder
And it’s so white as snow

Running through the field where all my tracks will
Be concealed and there’s nowhere to go oh!

When to descend to amend for a friend
All the channels that have broken down

Now you bring it up
I’m gonna ring it up
Just to hear you sing it out

Step from the road to the sea to the sky
And I do believe what we rely on

When I lay it on
Come get to play it on
All my life to sacrifice

Hey oh listen what I say oh
I got your
Hey oh listen what I say oh

The more I see the less I know
The more I like to let it go hey oh 
Wooooaaah

Deep beneath the cover of another perfect wonder
Where it’s so white as snow

Privately divided by a world so undecided
And there’s nowhere to go 

In between the cover of another perfect wonder
Where it’s so white as snow

Running through the field where all my tracks will
Be concealed and there’s nowhere to go

I said hey, hey yeah oh yeah tell my love now
Hey, hey yeah oh yeah tell my love now

Deep beneath the cover of another perfect wonder
Where it’s so white as snow

Privately divided by a world so undecided
And there’s nowhere to go 

Deep beneath the cover of another perfect wonder
Where it’s so white as snow

Running through the field where all my tracks will
Be concealed and there’s nowhere to go

I said hey oh yeah oh yeah tell my love now
Hey yeah yeah ooh yeah

La chanson en La bémol mineur est conduite par un riff rapide de John Frusciante.

Anthony Kiedis compare le monde réel avec un monde imaginaire. Il évoqua d’ailleurs au micro que cette chanson qu’elle montre la difficulté de laisser, d’abandonner toute notre construction dans la vie. Ainsi, quand nous devenons adultes, nous avons du mal à nous délaisser des actes qui nous ont façonnés.

Prenons le début des paroles :

 Viens pour décider que les choses que j’ai essayé
Etaient dans ma vie uniquement pour planer
Quand je m’assieds seul je veux en savoir plus
Mais j’ai besoin de plus que moi-même cette fois
Fais un pas de la route à la mer au ciel
Et je crois que nous comptons dessus
Quand je l’installe
Viens continuer à jouer
Toute ma vie à sacrifier

On voit bien le fait que l’auteur est tourmenté entre sa naissance et sa mort comparé la mer au ciel. Il est là, planant et attend une réponse, attend une décision. Il sent qu’il a agit, mal agit.

 

 

Voici la leçon de la vidéo de Snow : 

 

Donc pour résumer la façon de jouer Snow. Il va falloir commencer très lentement avant d’augmenter sa vitesse petit à petit. La meilleure solution étant de prendre un métronome et de jouer, jouer et encore jouer.

Concernant le pull off, pas de surprise, il va falloir pratiquer sans pression, sans forcer.

Concentrez vous sur chaque partie et faites toujours attention aux liaisons, le résultat doit être fluide. Ainsi, à chaque partie du morceau, pratiquez toujours la note suivante de la prochaine mesure, c’est à dire gardez toujours en tête la liaison et la fluidité de la musique.

Pour le refrain, on aura des doubles croches. Sans surprise, le métronome sera de nouveau consulté et le positionnement des accords bien que originaux devront être travaillés régulièrement afin d’être assimilés.

Une bonne de travail régulier et vous pourrez impressioner vos amis en soirée !

 

Ce petit bout de tablature provient de l’excellent site Sweepyto : 

 

Télécharger la tablature  complète de la chanson :

Red Hot Chili Peppers – Snow Hey Oh

Une magnifique reprise, allez Igor ! :

Analyse de la chanson de The Police : Every Breath You Take

Bonjour à tous dans cet article, nous allons tenter d’éclaircir la fameuse chanson de The Police : Every Breath You Take !

La chanson est sortie en 1983 de l’album Synchronicity écrit par Sting et Andy Summers. 

Elle est nommée en 84ème position par le magazine Rolling Stones dans le classement des 500 plus grande chansons de tous les temps et en 25ème position dans le classement Billboard  Hot 100 All-Time Top Songs.

Au Grammy Awards de 1984, la chanson est élu chanson de l’année.

Tout d’abord, voici la vidéo de la musique ainsi que ses paroles :

Every breath you take  / chacun de tes souffles
Every move you make / chacun de tes mouvements
Every bond you break / chaque barrière que tu brises
Every step you take / chacun de tes pas
I’ll be watching you / je te regarderai

Every single day / chaque jour
Every word you say / chaque mot que tu dis
Every game you play / chaque jeu que tu joues
Every night you stay / chaque nuit que tu restes
I’ll be watching you / je te regarderai

O can’t you see / oh ne vois tu pas
You belong to me / que tu m’appartiens
How my poor heart aches with every step you take /  Comme mon pauvre coeur souffre

Every move you make
Every vow you break
Every smile you fake
Every claim you stake
I’ll be watching you

Since you’ve gone I been lost without a trace /  Depuis que tu es partie, je suis perdu sans aucune trace
I dream at night I can only see your face / Quand je rêve la nuit, je ne vois que ton visage
I look around but it’s you I can’t replace / Je regarde autour de moi mais je ne peux te remplacer
I feel so cold and I long for your embrace /  Je me sens si froid et j’ai besoin de tes bras
I keep crying baby,baby please!!! /  Je pleure encore et encore, bébé, bébé je t’en prie !!!

Every move you make
Every vow you break
Every smile you fake
Every claim you stake
I’ll be watching you

Ainsi, la musique traite de l’obsession et de jalousie suivant un amour perdu.  Sting est même très étonné de la considération des personnes du côté romantique de la chanson. Selon lui, elle n’a rien d’affectif et cherche réellement à montrer le côté jaloux et malsain de l’amour.

Concernant l’enregistrement de la chanson, quelques tensions ont eu lieu en raison des rapports entre Sting et Stewart Copeland. Mais le frère de Stewart, Miles a pu obtenir un certain accord pour continuer la procédure d’enregistrement.

La structure de la chanson est très original. Elle compte à peu près 83 mesures se composant d’une partie vocal, d’une guitare interprétant la mélodie, d’un synthétiseur s’occupant de la rythmique, d’une basse, d’une batterie ainsi qu’une note de piano au milieu de la chanson. 

La partie mélodique se répète constamment se composant uniquement de croches.

La tablature  montrant très bien le rôle des croches et la répétition mélodique du riff.

Pour télécharger la tablature : ici 

Pour ceux qui sont intéressés par le Fichier Guitar Pro :  ici 

Allons un peu plus loin, voici des reprises magnifiques de la chanson. D’abord une vidéo par une chorale d’enfants :

Et une autre reprise au piano, juste coool !

Ensemble, redéfinissons la place de la musique dans notre société actuelle

Ludwig Van Beethoven disait que « La musique est une révélation
plus haute que toute sagesse et que toute philosophie. » L’encyclopédie du web Wikipédia mentionne que la musique est « l’art consistant à arranger et à ordonner ou désordonner sons et silences au cours du temps : le rythme est le support de cette combinaison dans le temps, la hauteur, celle dans la combinaison des fréquences etc. »

On retrouve la musique dans toutes les sociétés et dans tout le cours de l’Histoire. Elle est ainsi universelle. Cependant aujourd’hui, nous pouvons considérer que la consommation de la musique a bien changé. De nombreuses inquiétudes me proviennent quand on traite de la musique. Autant de questions qui amènent de longues réflexions souvent sans réponse cohérente. Il n’en reste pas moins que la société dans laquelle nous vivons a un impact considérable sur la musique. En effet, à mon sens, dans un environnement où tout va trop vite, la musique n’a pas toujours la place qu’elle mérite. Elle doit rester un travail créatif nécessitant un plaisir des sens.

C’est ce que je propose d’analyser en étudiant d’abord l’impact de la société sur la musique (I) puis ensuite le rôle du plaisir que doit entretenir la musique (II).

I) L’impact de la société actuelle sur la musique

Aujourd’hui nous vivons dans un monde bien étrange. Nous sommes à la fois en recherche d’activités et à la fois en recherche de repos. A titre de preuve, nous voulons absolument des vacances et dès que nous y sommes, on s’accorde quelques jours de repos avant de très vite retrouver une activité. Que ce soit un stage, un voyage, une formation, ce sont des activités qui prennent notre temps et nos penses.

J’ajouterai aussi que nous profitons de notre temps libre pour regarder la télé, aller sur l’Internet, bricoler, jardiner, cuisiner ou autre. Ces activités bien que mineures représentent tout de même une certaine occupation pour le cerveau. Ainsi, notre esprit n’est jamais au repos car même dans les situations les plus propices au repos, nous restons attirés par un écran ou un objet.

Comme la plupart des personnes.

Bref, on écoute de la musique dans de très nombreuses situations et pourtant elle occupe à chaque fois un rôle secondaire.

On pourrait allonger la liste mais le principal est d’avoir compris l’idée. Ainsi, pour la plupart, nous attribuons à la musique un second rôle. C’est un paradoxe car lorsqu’on observe une peinture ou lorsqu’on lit un livre, notre esprit est totalement concentré et aucune activité vient le supplanter. Cette question fort intéressante permet de s’interroger sur la banalisation musicale. A mon sens, il faut vite réconcilier la musique avec le plaisir. C’est ce que je vous propose d’observer plus en détail.

II) Quand la musique doit redevenir un plaisir

Une musique, c’est une oeuvre d’art. Elle nécessite un travail de création humaine conjuguant la technique et la théorie. La musique que nous entendons à la radio ne vient pas de nulle part. Elle provient d’un travail acharné entre les musiciens, les producteurs, les techniciens du sons etc.. Et je vous parle même pas des auteurs-compositeurs ou des musiciens se gérant seul.

Personnellement, je pratique un instrument de musique et je me rends bien compte de la difficulté pour un musicien de percer et de construire ses projets. Cela demande un très grand investissement en temps et en argent. Il faut être prêt à sacrifier beaucoup de choses pour des résultats assez médiocres. C’est pourquoi on retrouve de très nombreux musiciens jouant pour le plaisir et pour des petites scènes sans jamais aller plus loin.

Encore une fois la société nous impose d’être productif et de procurer de la valeur ajoutée. Nous sommes toujours dans l’héritage du Fordisme où le but recherché est seulement la productivité. Nous avons mis l’art de côté et nous avons banalisé la musique. Aujourd’hui, on « zappe » de musique toute les 30 secondes alors que le musicien a dû mettre de nombreuses semaines à composer ces fameuses 30 secondes.

Évidemment qu’une musique peut plaire et ne pas plaire, ce sont les goûts et couleur de chacun. Une personne préférera le Rock alors qu’une autre le Jazz. Mais tout ce qui ne plait pas doit néanmoins être considéré comme beau. On touche ici à la différence entre le beau et l’agréable. On peut trouver une oeuvre belle sans qu’on l’apprécie. Ainsi si une chanson de Jazz ne me plaît pas,
je devrais dire « C’est beau mais je n’aime pas. »

Bref, le problème actuel n’est pas là mais dans la consommation. Nous sommes imprégnés de la consommation au point de fixer ses rêves en fonction d’objets matériels. Nous vulgarisons la musique et toutes les musiques les plus écoutées sont juste une compilation de rythmes basiques auxquels on a ajouté un clip avec des femmes en maillot de bain au bord d’une piscine. Trop peu de personnes s’intéressent aux vraies oeuvres musicales de l’Histoire que peuvent être les Quatre Saisons de Vivaldi ou la 25e Symphonie de Mozart.

Observez les musiques les plus vendues et posez vous la question.

Votre réponse pourra nourrir votre réflexion et vous saurez la place que vous accordez à la musique.

D’autre part, il faut impérativement trouver un moyen efficace afin de rémunérer les artistes. Nous ne pouvons pas écouter de la musique gratuite indéfiniment. Quand bien même notre contribution sera mineure, il faut impérativement que les artistes retrouvent confiance et que nous payons pour leurs créations culturelles. Personnellement, je suis abonné à Spotify car j’estime que le numérique est l’avenir de la musique. Le fait que le logiciel constitue une bibliothèque musicale universelle est une démarche qui me plaît. D’autre part, la loi Hadopi est une avancée en ce sens qu’elle essaye de lutter contre les fraudes mais il faut à mon avis agir autrement.

Mais ces progrès restent insuffisants. Il ne suffira pas d’instaurer une quelconque loi.

En agissant ensemble dans ce sens, les grands artistes et les grandes oeuvres revivront. on financera pour un minimum de coût l’artiste. C’est comme ça que la musique reprendra son rang dans les arts parmi la peinture ou la lecture. C’est comme ça que nous pourrons prendre le temps d’écouter et de rêver.

Robin

Petite étude de ma chanson préférée : Hotel California

 

Petite étude de ma chanson préférée qu’est Hotel California du groupe The Eagles !

 

On a dark desert highway, cool wind in my hair Warm smell of colitas, rising up through the air Up ahead in the distance, I saw a shimmering light My head grew heavy and my sight grew dim I had to stop for the night There she stood in the doorway; I heard the mission bell And I was thinking to myself, ‘This could be Heaven or this could be Hell’ Then she lit up a candle and she showed me the way There were voices down the corridor, I thought I heard them say… Welcome to the Hotel California Such a lovely place Such a lovely face Plenty of room at the Hotel California Any time of year, you can find it here Her mind is Tiffany-twisted, she got the Mercedes bends She got a lot of pretty, pretty boys, that she calls friends How they dance in the courtyard, sweet summer sweat. Some dance to remember, some dance to forget So I called up the Captain, ‘Please bring me my wine’ He said, ‘We haven’t had that spirit here since nineteen sixty nine’ And still those voices are calling from far away, Wake you up in the middle of the night Just to hear them say… Welcome to the Hotel California Such a lovely place Such a lovely face They livin’ it up at the Hotel California What a nice surprise, bring your alibis Mirrors on the ceiling, The pink champagne on ice And she said ‘We are all just prisoners here, of our own device’ And in the master’s chambers, They gathered for the feast The stab it with their steely knives, But they just can’t kill the beast Last thing I remember, I was Running for the door I had to find the passage back To the place I was before ‘Relax,’ said the night man, We are programmed to receive. You can checkout any time you like, but you can never leave!

La chanson provient du groupe Américain The Eagles. Ce groupe a été formé en 1970 à Los Angeles par le guitariste, pianiste et chanteur Glenn Frey.

Hotel California est sorti en 1976

Elle compte parmi les 500 plus grandes chansons de tout les temps selon le magazine Rolling Stone. Ajoutons que la chanson a été deux fois disque d’or et une fois disque de platine.

Don Henley, chanteur et batteur du groupe évoquait à propos de la chanson qu’elle « capturait l’esprit de l’époque ». Le véritable Hotel California est une métaphore de l’industrie musicale de Los Angeles. C’est une prison dorée dans laquelle entre un artiste mais dont il ne peut plus s’échapper.

Les textes font référence à un établissement en Californie où l’on soignait les drogués.

Mais ce que j’adore dans cette chanson est que chacun peut se faire sa propre opinion des paroles. En tout cas, on en revient à un « voyage artificiel ». De quel voyage parle t-on ? A chacun de se faire sa propre image lors de l’écoute.

 6 minutes 30 de voyage

Ceci est très long pour une musique. Le petit arpège d’introduction de guitare donne vraiment le ton de la chanson orientée rock/country. On se situe dans une tonalité plutôt aiguë et dès les premières paroles on sent vraiment un petit truc qui vient nous affecter. Ce petit truc qui fait qu’on aime, ce petit truc qui fait qu’on ne peut pas couper la chanson.

C’est sûrement pas la chanson la plus entrainante et d’ailleurs ce n’est pas son objectif mais on sent bien toute l’émotion qui en découle. Les instruments sont parfaitement maitrisés avec une parfaite concordance des guitares notamment au niveau du refrain.

Un magnifique solo de guitare de 2 minutes 10.

Une telle longueur de solo est très rare et pourrait presque paraitre ennuyant sur la fin mais justement, le solo nous tient en haleine et la fin est incroyable.

Les bends et les vibrato fusent et le solo vient prolonger la chanson pour l’amener à son apogée. C’est là où il faut embrasser la fille quand on danse avec elle !

Je remercie le groupe The Eagles de l’avoir créer. C’est dommage pour eux que leur succès ne s’est pas prolongé mais ce n’est pas grave, il suffit d’un seul titre parfois..

Enfin je terminerais en évoquant que chaque musique a son style et que c’est normal qu’une musique puisse plaire à une personne et pas à une autre. Chaque personne a sa sensibilité, ses gouts, ses envies. Justement, le contraire serait triste. Il est à tout fait normal que vous ne puissiez pas aimer cette chanson mais vous devez admettre que c’est une belle oeuvre musicale.

Et des oeuvres musicales, on en voit plus beaucoup actuellement..

Version Gipsy

Présentation de Guitare-Improvisation.com with une interview de sound auteur

Cet article pour présenter un excellent site d’apprentissage de la guitare : 

 Guitare-Improvisation 

Pourquoi présenter un tel site plutôt qu’un autre ?

Je parcours les sites musicaux du Web depuis 3-4 et guitare-improvisation constitue un excellent contenu sur plusieurs points :

1. C’est un site pédagogique.
2. C’est un site clair.
3. Et c’est surtout un site professionnel.

Le site traite de la théorie musicale spécifiquement sur la guitare. Il se décline en plusieurs sections :

1. D’abord, il présente les bases de la théorie musicale à apprendre à la guitare.
2. Ensuite, il traite de la notion des accords et des gammes.
3. Puis, il développe les thèmes de l’harmonisation et de la composition.
4. Enfin, on trouve une section vidéo très complète à un prix abordable.

Je trouve ce site idéal pour étudier les notions théoriques de la guitare. Cependant, il faut être assidu dans la lecture du site car il présente des notions complexes. Ce qui me plaît est la clarté du contenu et toute la pédagogie exprimé notamment par des vidéos, de l’audio ou encore des graphiques.

Ainsi, je suis ce site au quotidien et je conseille vivement ce site à tout les guitaristes et à toute personne s’intéressant à la théorie musicale.

Son auteur Martin est compositeur et professeur de guitare.

Il m’a confié une interview : 

•  Qu’est-ce qui t’as motivé à commencer la
  guitare ?

C’est un ami que je suis allé voir jouer lors du concert de fin d’année de son école de musique. A l’époque j’écoutais du rock (Queen, Scorpions, Red Hot Chilli Peppers) et j’ai vu mon ami jouer des morceaux que j’écoutais à longueur de journée et que j’aurais révé jouer. A cette époque je devais avoir 15 ans environ et cela faisait 8 ans que je jouais du violon (sans vraiment aimer ça).

Après le concert je me suis dis « ouah c’est trop bien et ça a l’air trop facile comparé au violon ». Du coup, le lendemain, je me suis mis à la guitare.

• Pourquoi avoir créé un site web d’apprentissage
  de la guitare ?

Ah. Je vais planter un peu le décors d’abord : après le bac, j’ai fais un IUT Mesures Physiques, puis une école d’ingénieur. Pendant ma formation en école d’ingénieur, je me posais beaucoup de questions sur la possibilité de faire de la guitare mon métier (je pensais que c’était impossible). A cette époque je commençais à avoir un peu de recul sur la pratique de la guitare et sur l’improvisation à laquelle j’ai été sensibilisé dès le début (je remercie au passage mon premier professeur de guitare Olivier K.). Sur internet, je ne trouvais quasiment rien sur le sujet : Que jouer sur un accord m7 ? Quelles gammes utiliser sur un blues ? Je me suis dis que je pouvais partager mon expérience, alors je l’ai fais (j’ai appris en quelques mois à faire un site internet en allant sur le site du zéro). Petit à petit les internautes sont venu sur mon site guitare-improvisation.com, alors j’ai continué à m’occuper du site, parce que ça me plaisais. Ca me plaît toujours autant d’ailleurs.

•  Quels sont tes objectifs actuels
  ?

Pour ce qui est de ma carrière en tant que musicien, j’aimerais continuer à développer ma personnalité musicale, en cherchant une musique toujours plus belle, accessible et travaillée. Pour ma carrière de professeur, j’aimerais continuer à enseigner la guitare, en le faisant toujours mieux. Dans les années qui viennent j’aimerais faire une formation (CEFEDEM) qui me permettrait de m’y connaitre un peu mieux en pédagogie de l’enseignement. Et pour ce qui est de mes objectifs concernant mon site internet, et bien, continuer à faire aimer la guitare et l’improvisation aux internautes !

• Quel est ta chanson et ton album préféré ?

Je n’ai pas de chanson préféré, ou plutôt j’en ai beaucoup et je n’ai pas envie d’en donner une seule. Pour répondre quand même un peu à la question, je dirais que le groupe de musique grâce à qui je fais de la guitare aujourd’hui, c’est Queen. Dès que j’ai commencé à écouter les vielles cassettes de Queen de mon père, je suis devenu accro. Les albums que j’ai principalement écouté sont les « Greatest Hits » volume I et II. Aujourd’hui encore que je réécoute leur musique, et je trouve ça génial. C’est tellement bien construit, tellement bien interprété, tellement musical en fait. Et les contrechants à la guitare sont géniaux. J’en découvre de nouveaux à chaque écoute.

Mieux connaître le chef d’oeuvre d’Antonio Vivaldi : Les quatre saisons

Les quatre saisons regroupent quatre concertos pour violon constituant l’opus 8 n°1-4 édités en 1725 à Amsterdam.

Antonio Vivaldi (1678-1741) était un violoniste et compositeur Italien. Sa virtuosité ressort à l’aide de son violon dans sa musique instrumentale.

Il devient l’initiateur du concerto soliste notamment par son interprétation des quatre saisons. Il était surnommé le « prêtre roux » en raison de sa couleur de cheveux et sa pratique catholique.

La composition des quatre saisons a un effet magique en ce sens qu’elle dégage une fraîcheur et un dynamisme incroyable. Cette musique parle à tout le monde puisque le thème est simple et populaire .Cette composition parle à la terre, parle à la vie, parle à l’homme, parle à la nature .
Le printemps correspond à l’éveil, au début d’une nouvelle activité, à l’émergence, au lever du soleil, à l’optimisme.
L’été correspond à la chaleur, à la continuité du printemps, au rassemblement des forces.
L’automne correspond aux regrets, aux souvenirs de l’été, aux temps de récolter les fruits, de regretter le passé d’une vie.

Enfin l’hiver correspond à la mort, à la fin de la journée, à la nuit, à la tristesse.

Dans chacune des quatre saisons, le tempo peut être différent à savoir qu’en on peut écouter le printemps allegro ou largo. Tout dépend de notre sensibilité musicale.
Je vous propose d’écouter une version intégrale de 41 minutes des quatre saisons  :

Personnellement, les quatre saisons de Vivaldi sont d’une beauté incroyable et font partie intégrante de mes chansons préférées. Je ne me lasserais jamais d’écouter un tel tire. Encore faut-il savoir l’apprécier et ne pas le laisser s’écouler dans des écouteurs entres deux stations de métros.

A mes partiels du premier semestre, je me rappelle avoir mis avant chaque épreuve l’été de Vivaldi en Presto. Je peux vous dire que ça boost et ça vous installe un dynamisme incroyable.

D’ailleurs, en parlant de l’été, voici une vidéo où les artistes reprennent cette composition à la guitare électrique :

Comprendre simplement et effectively la construction des ranges pentatoniques major et mineures

 

Cet article a pour d’objectif ue initiation au monde de la gamme pentatonique. Au préalable, il est nécessaire de connaître le nom des notes ainsi que les altérations.

 I) La gamme pentatonique mineure

La gamme pentatonique mineure est généralement celle que les apprentis guitaristes apprennent en première. Et pour cause, elle est très utilisée en guitare notamment dans les solos (Hotel California).

La gamme pentatonique est une gamme parmi d’autres tels la gamme majeure ou mineure. A une exception près puisque elle ne contient que 5 notes. 

Si on ne trouve que 5 notes, les intervalles entre les notes seront nettement différentes que les intervalles qu’on trouvent sur la gamme majeure ou mineure.

En effet, les écarts seront plus importants puisque on trouvera moins de notes pour accéder de la tonique à son octave.

Tentons de comprendre par la pratique. Si nous partons d’une gamme pentatonique de Do mineur :

Nous avons notre fondamentale qui est la note de Do.

• La deuxième note de la gamme pentatonique mineure est la tierce mineure, soit 1 ton et demi au dessus de la tonique.

1. Do -> 0,5 ton -> Do# (seconde mineure)
2. Do#-> 0,5 ton -> Ré  (seconde majeure)
3. Ré ->0,5 ton > Ré # ou Mi bémol (tierce mineure).

Ainsi, notre tierce mineure est soit un Ré# ou soit un Mi Bémol.

• La troisième note de la gamme pentatonique mineure est une quarte juste, soit 1 ton au dessus de la tierce mineure et donc 2 tons et demi au dessus de la tonique.

1. Ré#ou Mi bémol -> 0,5 ton -> Mi  (tierce majeure)
2. Mi > 0,5 ton -> Fa (quarte juste).

Si nous partons de notre tierce mineure qui est le Ré#, notre quarte juste est un Fa.

• La quatrième note de la gamme pentatonique mineure est une quinte juste, soit un ton au dessus la quarte juste et doc 3 tons et demi au dessus de la tonique.

1. Fa (quarte juste) ->0,5 ton -> Fa# (quinte diminuée)
2. Fa# -> 0,5 ton -> Sol (quinte juste). Un écart de 1 ton.

Si nous partons de notre quarte juste, on obtient un Sol

• Enfin, la dernière notre de notre gamme est une septième mineure, soit un ton et demi au dessus de la
  quinte juste et donc 5 tons au dessus de la tonique.

1. Sol -> 0,5 ton -> Sol# (Sixte mineure)
2. Sol #-> 0,5 ton -> La (Sixte majeure)
3. La -> 0,5 ton -> La#ou Sibémol (Septième mineure).

Si nous partons de notre quinte juste, on obtient un La# ou un Si Bémol.

Si nous resumons, la gamme de Do mineur pentatonique est composé des notes suivantes : 

Do, Ré dièse ou Mi bémol, Fa, Sol et La dièse ou Si bémol.

Les intervalles de la gamme pentatonique mineure sont :

• Fondamentale -> 1,5 ton -> Tierce mineure.
• Tierce mineure -> 1 ton -> Quarte juste.
• Quarte juste -> 1 ton -> Quinte diminuée.
• Quinte diminuée -> 1,5 -> Septième mineure.

Le schéma suivant, tiré du site guitare-improvisation montre l’échelle d’intervalle correspondant à la gamme pentatonique mineure en prenant
comme point de départ, la note de La :

 

La gamme de la pentatonique mineure est la plus utilisée compte tenu de son positionnement sur la guitare.

 

Voici la position de la gamme de la pentatonique mineure sur la guitare  : 

 

Sur le schéma, les chiffres Romains correspondent aux cases de la guitare. Le chiffre romain V correspond à la case 5 de la guitare et ainsi de suite.

Pourquoi pars t-on de la cinquième case ? 

La 5ème case de la corde mi grave représente la note de La. Cette note représente donc la tonique servant de point de départ à la gamme de la pentatonique mineure.

Si nous voulons jouer la gamme de Do pentatonique mineure, il faut partir de la note de Do sur la corde de Mi grave. Cette note se trouve à la 8ème case de la guitare. En effet, elle se situe 1 ton et demi plus haut que la note de La.

On sait qu’il existe un écart d’un demi-ton entre chaque case de la guitare. Si la 5ème case de la corde de mi grave est un La alors, la 6ème case est un La#, la 7ème case un Si et donc la 8ème un do.

Enfin, que l’on parte de la 5ème case pour une gamme de La pentatonique mineure, de la 7ème case pour une gamme de Si ou encore de la 8ème pour une gamme de Do : Les positions illustrées  sur le schéma restent inchangées.

II) La gamme pentatonique majeure

La différence entre la gamme pentatonique majeure et mineure est moindre. La gamme pentatonique majeure possède une tierce majeure et non une tierce mineure.

La gamme pentatonique majeure est beaucoup moins utilisée que sa voisine mais il reste important de bien la connaître.

Elle possède les mêmes positions que la gamme pentatonique mineure à une exception près. Par exemple si on prend la gamme pentatonique majeure de La, son point de départ sera la 2ème case de la corde de mi grave au lieu que ce soit la 5ème case comme sur la gamme pentatonique mineure.

Le schéma dont j’ignore sa provenance montre néanmoins, les positions de la gamme pentatonique majeure :  

 

Nous remarquons que les positions sont identiques à celles de la gamme pentatonique mineure. Ainsi, il est facile de retenir cette gamme.

La seule et unique différence est le point de départ de la fondamentale. Le début de la gamme se situe 1,5 ton plus bas de la gamme pentatonique mineure.

Nous allons tenter d’illustrer cela : 

• Gamme de La pentatonique mineure : Point de départ -> 5ème case
• Gamme de La pentatonique majeure : Point de départ -> 2ème case

• Gamme de Si pentatonique mineure  : Point de  départ -> 7ème case
• Gamme de Si pentatonique majeure  : Point de départ -> 4ème case

• Gamme de Do pentatonique mineure : Point de départ -> 8ème case
• Gamme de Do pentatonique majeure : Point de départ -> 5ème case

Les positions restent donc les mêmes.

Enfin, je reprends un schéma du site guitare-improvisation  :

 

Ce schéma illustre à merveille la concordance entre ces deux gammes. Les intervalles sont les mêmes mais les notes de départs ne sont pas les mêmes. Les notes de la gamme de La pentatonique mineure sont exactement les mêmes que la gamme de Do pentatonique majeure.

Vous ne serez donc pas surpris de voir la vérification de l’astuce de jouer la gamme pentatonique majeure 1 ton et demi plus bas que la gamme pentatonique mineure.

 

Apprendre simplement the premiers schémas d’accords about la guitare

Les accords représentent un vaste sujet pour tout apprentis guitariste. Je vais tenter d’expliquer les prémices en ce domaine. 

Tout d’abord, il existe deux sortes d’accords :

• Les accords ouverts
• Les accords fermés

I) Les accords ouverts 

Les accords ouverts sont considérés comme étant les plus faciles, ce sont les accords qu’apprennent les débutants. Nous allons donc nous intéressons à l’étude des premiers accords ouverts de base

Accord de Mi majeur et de Mi mineur : 

Ici, nous avons une tablature et un diagramme. Sur le diagramme : les chiffres correspondent aux doigtés :

• Le chiffre 1 correspond à l’index.
• Le chiffre 2 au majeur.
• Le chiffre 3 à l’annuaire.
• Le chiffre 4 à l’auriculaire.

Le chiffre 1 situé a gauche du diagramme indique que nous somme à la première case en haut du manche. Il faudra donc se positionner par rapport à cette case pour pouvoir jouer notre accord.

Retenons que l’accord est un Mi puisque la fondamental de notre accord, c’est à dire la note la plus importante est un Mi. C’est elle qui donne le ton de l’accord.

Les ronds blancs indiqués au dessus du diagramme indiquent que les cordes où on ne pose aucun doigt doivent être jouées à vide. En d’autres, termes, dans ces deux accords, nous devons gratter toute les cordes.

Essayons d’enchaîner ces deux accords en exerçant un rythme régulier :

Par exemple, dans notre tête, répétons : 1,2,3,4,1,2,3,4.  A chaque 1 et 2 jouons l’accord de Mi majeur et au 3 et 4, jouons l’accord de Mi mineur.

Nous avons maintenant toute les informations nécessaires pour jouer nos accords de Mi majeur et mineur. 

Maintenant, il faut savoir que quand on débute la guitare, nous avons tous envie de jouer des classiques très connus. Pour cela,il existe quatre accords qui permettent de pratiquement tout jouer.

Ces accords sont :

• Le Fa majeur.
• Le La mineur,
• Le Sol.
• Le Do.

Accord de La mineur  :  

Sur ce dessin, nous retrouvons toutes les données que nous avons vues préalablement.

On retrouve notre doigté avec l’index, le majeur et l’annuaire. Nous retrouvons la première case du manche et donc le haut de la guitare.

De plus, on voit apparaître sur la corde de Mi grave un « x », cela signifie que cette corde ne doit pas être jouée durant
l’accord. En effet, étant très grave, le son qu’elle produit risque d’empiéter sur le reste de l’accord.

Vous avez donc ici, tout ce qu’il vous faut pour jouer l’accord de La mineur.

Accord de Do : 

Ici, nous avons l’accord de Do dans un schéma plus simplifié. Néanmoins, on voit apparaître l’essentiel. Les chiffres indiquent le doigté :  l’index, le majeur et l’annuaire. Le « x » indique la corde à ne pas jouer et le « 0 » indique qu’il faut au contraire jouer la corde de Mi aiguë à vide.

On peut remarquer qu’entre l’accord de La mineur et celui de Do, la position de l’index ne change pas, alors ne le bougez pas pour obtenir dès maintenant une meilleur fluidité dans l’enchaînement.

Nous venons donc de voir quatre accord : Mi majeur, Mi mineur, La mineur et Do. Essayer de les enchaîner dans un rythme à quatre temps.

Il nous reste deux accords : Le Sol et le Fa.

Accords de Sol : 

Dans cet accord, on peut même jouer la troisième case de la corde de Si, mais ce n’est pas obligatoire.

Enfin, l’accord de Fa : 

Ici, nous allons pas étudier vraiment en détail cet accord puisque il nécessite un barré. En d’autre termes, votre index doit bloquer toute les cordes de la première case du manche. Tout en bloquant ces cordes, votre majeur, annuaire et auriculaire seront sollicités dans l’accord.

Je vous présente cet accord car il est très utilisé dans tout les standards de la chanson française mais ne vous précipitez pas et prenez le temps de l’apprendre.

II) Les accords fermés     

Les accords fermés sont des accords ouverts que l’on a transposés sur le manche. Rajoutons que les accords fermés sont souvent des accords barrés (un doigt qui appuie toute les cordes à la fois) sans que cela soit systématique.

Ainsi, il n’est pas toujours évident de choisir parmi les différentes possibilités. En fait, dans le folk, les rythmiques et les arpèges privilégierons les accords ouverts tandis que dans le funk, le reggae ou le jazz, les accords fermés seront privilégiés.

Si vous êtes débutants, nous vous conseillons de maîtriser en premier lieu les accords ouverts avant de passer aux accords fermés. 

PS : Pour éviter de me faire attaquer par rapport aux images, je ne retrouve pas leur origine et je tiens à m’en excuser.

 

Top 10 des guitarists de légendes à écouter a fois in sa vie

Je vais vous présenter 10 guitaristes à connaître absolument et à écouter au moins une fois dans sa vie. 

Ces guitaristes représentent un nombre varié de styles. Il y’en a forcément un à votre goût.

I) Andrés Segovia (1893-1987)

L’espagnol Andrés Segovia est le plus guitariste classique de tous les temps. Il déclara même « j’ai sauvé la guitare des mains du flamenco bohémien ». Avant ses prestations, la guitare était à l’époque un instrument réservé aux classes paysannes. Il commença à pratiquer des morceaux de Bach par transposition et il s’est très vite fait remarqué. En 1981, le roi Juan Carlos l’anoblit. Sa prestigieuse carrière a duré environ 70 ans.

Ses morceaux les plus connus sont : « Chaconne » de Bach, « Granada » d’Albéniz.

II) Chet Atkins (1924-2001)

Chester Burton Atkins était un célèbre guitariste américain spécialisé dans le style country. Par son talentueux jeu de « picking », il a raffiné le style country en y ajoutant des touches de jazz, de classique voir de pop. Il a véritablement contribué à la construction d’un style « guitare/country ». Il a également produit des albums notamment d’Elvis Presley.

Ses morceaux les plus célèbres sont : « Stars and Stripes Forever », « Yankee Doodle Dixie ».

III) B.B King (1925)

B.B King est le plus populaire des guitaristes de blues. Il est également compositeur et chanteur. Son étonnant style de guitare swing complète sa très grande prestance sur scène.

Ses chansons les plus célèbres sont : « Every Day I Have The Blues » et « The Thrill Is Gone ».

IV) Chuck Berry (1926)

Charles Edward Anderson Berry est un guitariste, chanteur et compositeur américain. Il est considéré comme le premier véritable guitare héro du rock. Son répertoire a influencé de très nombreux artistes notamment par ses double-stops rythmiques ainsi que ses textes.

Ses chansons les plus célèbres sont : « Johnny B. Goode », « Rockin’ in the USA » et « Maybelline ».

V) Jimi Hendrix (1942-1970)

Jimi Hendrix est un guitariste auto-compositeur et chanteur américain. C’est pour moi le meilleur guitariste de tout les temps. Le magazine Rolling Stone l’ayant classé en 2011 à la première place devant Eric Clapton et Jimmy Page. Jimi a fusionné le rock, le blues et le style psychédélique pour en faire un mixage éclatant. Il a également apporté une approche révolutionnaire de la guitare électrique, de nouvelles techniques d’enregistrement en studio ainsi que des prestations en live de très hautes volées. En effet, il a mit le feu à sa Fender Stratocaster lors du festival Monterey en 1967 et lors du festival de Woodstock en 1969, il reprit l’hymne américain de manière à la fois magistrale et effrayante.

Ses chansons les plus célèbres sont : « Voodo Child », « Purple Haze », « Little Wing » et « Hey Joe ».

VI) Jimmy Page (1944)

Jimmy Page est un guitariste, producteur et compositeur anglais de rock. Ses inspirations proviennent du folk, de la musique indienne, du blues et de la musique orientale. Il est le fondateur, leader et compositeur de la majorité des chansons du groupe Led Zeppelin dans les années 1970. Le point de fort de Jimmy Page est son art d’enregistrer sa guitare, en superposant les couches les unes sur les autres pour construire des avalanches grondantes de tons électrifiés.

Il est considéré comme un des artistes ayant influencé le plus l’histoire du rock. En 1985, il est élevé au grade d’Officier de l’Ordre de l’Empire Britannique. En 2011, le magazine Rolling Stone le classe en tant que troisième meilleur guitariste de tout les temps.

Ses morceaux les plus célèbres sont : « Stairway To Heaven », « Whole Lotta Love », et « Kashmir ».

VII) Eric Clapton (1945)

Eric Clapton est un guitariste, chanteur et compositeur de blues et de rock britannique. Il est considéré comme le père de la guitare rock contemporaine. Après avoir côtoyé de nombreux groupes, il a finalement poursuivi une carrière solo avant de devenir l’un des artistes les plus populaires de ces vingt dernières années. Ses fan le surnomment « Dieu ». Le magazine Rolling Stone le classe en 2011 comme le deuxième meilleur guitariste de tout les temps.

Ses chansons les plus célèbres sont : « Tears In Heaven », « Cocaïne, » Crossroads » et « Layla ».

VIII) Eddie Van Halen (1955)

Eddie Van Halen est un guitariste américain d’origine Néerlandaise. Il a complètement réinventé le style rock métal et plus particulièrement le heavy-métal. Il a transformé le « tapping » à deux mains en une technique banale de jeu de guitare. Il a poussé à l’extrême l’utilisation de la barre de trémolo et des « hammer-on ». Il s’est montré un expert dans son art de concilier l’esprit rock avec les techniques modernes de la guitare électrique. C’est un le guitare héro par excellence.

Ses chansons les plus célèbres sont : « Éruption » et « Panama ».

IX) Joe Satriani (1956) 

Joe Satriani est un guitariste et guitare héro américain. Influencé par Jimi Hendrix, il a été le professeur de célèbres guitaristes tels que Steve Vai ou Kirk Hammet (Metallica). Les oeuvres de Joe Satriani correspondent à un nouveau style à savoir le rock instrumental. Il poursuit une carrière solo étonnante enchaînant albums et concerts en permanence.

Ses chansons les plus célèbres sont : « Flying In a Blue Dream », « Satch Boogie » et « Summer Song ».

X) JerryC (1981)

Jerry Chang est un guitariste et compositeur taïwanais. Il est devenu célèbre grâce à sa vidéo « Canon Rock » qui est une reprise rock de la traditionnelle chanson Canon de Pachelbel. Évidemment que JerryC n’a pas contribué autant à la musique que ses prédécesseurs mais j’ai envie de le citer car Canon Rock est une chanson qui m’a beaucoup marquée.

C’est donc un choix très personnel. 😉

Sa chanson la plus célèbre : « Canon Rock »

Source : Wikipédia, la guitare pour les nuls, YouTube.